La Moda de los Raves: de la Psicodelia a Futurismo Oscuro
Por Bruja
Foto de archivo
En la historia de la música electrónica, la moda raver ha sido una manifestación de la singularidad de la cultura que rodea a los raves.
Surgida en los años 80 y 90, esta moda se ha nutrido de diversas influencias, adaptándose y transformándose a lo largo del tiempo. Hoy en día, la moda raver se encuentra en un punto de inflexión, combinando elementos psicodélicos del pasado con una visión futurista y oscura.
Orígenes de la moda raver
En los años 80 y 90, estilos como el acid house, new wave y techno dominaban la industria de la electrónica en Europa y Estados Unidos. La gente, inspirada por la estética de la fiebre psicodélica de los 60 y 70, los llevó a crear un estilo caracterizado por colores neón, ropa holgada y accesorios luminosos.
La revista Fruits Magazine y el streetstyle japonés, conocido como Harajuku, aportaron a esa estética fresca y colorida donde lo primordial era destacar y transmitir diversión.
Principales Influencias
A lo largo de los años, diversas corrientes han influido en la moda raver. Desde las cadenas y ropa de cuerina, hasta los babydolls. Cada elemento ha jugado un papel en la construcción de una identidad visual oscura única que te hacen sentir en una escena de cyberpunk.
Con el paso del tiempo, la moda raver ha absorbido elementos de otras subculturas, especialmente del postpunk y el gótico. Ambas comparten una estética más sombría y una actitud desafiante, características que se han integrado perfectamente al ambiente rave.
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El post-punk, con sus tonos oscuros y su enfoque en la alienación y el futurismo distópico, ha influido en la elección de colores y estilos dentro de la moda raver.
Las marcas de alta costura como Alexander McQueen y Mugler fueron pioneras en la hibridación de estilos, fusionando el techno con estas influencias post-punk.
McQueen, conocido por sus diseños oscuros y teatrales, y Mugler, con su enfoque futurista y estructurado, han inspirado a la moda raver a adoptar una estética más sofisticada y sombría. Estas influencias se han visto en las pasarelas y han sido adoptadas por la comunidad rave.
Además, hoy en día, firmas como Diesel, Dion Lee, Paco Rabanne y Jean Paul Gaultier continúan esta tradición, llevando la moda raver a las pasarelas internacionales.
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La Moda como Identidad Colectiva
La moda raver no es solo una cuestión de estética; es una poderosa herramienta de identificación social. Como señala el fotógrafo Alfred Steffen en su libro "Portrait of a Generation. The Love Parade Family Book" de 1997, los "diacríticos corporales (elementos visuales que indican la pertenencia a un grupo) son fundamentales para entender la cultura raver. Al igual que en otras subculturas como el punk, ska, grunge o power, la moda raver permite identificar a quienes comparten una misma pasión musical y cultural.
Este lenguaje se manifiesta con patrones y estilos específicos reconocibles para aquellos dentro de la escena rave. Por ejemplo, los peinados extravagantes, las cadenas, la ropa de cuerina, los babydolls, los colores neón y los materiales reflectantes son todos componentes de este lenguaje visual que une a los ravers en una identidad compartida.
La adopción de una estética más oscura y futurista refleja una actitud desafiante y una afinidad por la tecnología y el futurismo distópico. Estos valores son compartidos por la comunidad y se reflejan en la forma en que los ravers se visten y se presentan al mundo.
La moda raver ha recorrido un largo camino desde sus orígenes psicodélicos hasta su actual encarnación futurista y oscura. Cada generación de ravers ha aportado su propio estilo y visión, adaptando influencias de diversas corrientes y creando una identidad colectiva única. Hoy, la moda raver sigue siendo un reflejo de la energía, creatividad y espíritu de la comunidad rave, demostrando que, más allá de la música, la moda es una poderosa forma de expresión y conexión social.
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